Флоренция, как великий город, ставший местом расцвета Возрождения, к середине XVI со временем стала терять славу. Однако искусство не могло исчезнуть, оно просто стало частью музея. Когда правитель решил расширить свою резиденцию, он еще не знал, что делает шаги к образованию столь великолепного музея. Козимо I строил здание для государственных представителей, однако не меньше Медичи любили искусство. Ими была собрана хорошая коллекция, по этой причине частично помещения Уффици были отданы под размещение картин.
Здание вышло огромным, к изначально задуманной по форме буквы П конструкции добавили уже существующие объекты. С целью объединения стиля для всей конструкции создавался повторяющийся модуль – портик с пилястрами. В средней части добавили большие арки, которые преобразили помещение. С расширением коллекции «офисы» убирали, их заменяли выставочными залами.
Немало объектов живописи перевозили из монастырей, собиралась графика, живопись. При этом старались создать полное представление разных периодов и школ. Помимо полотен демонстрировались редкости. После кончины Джана Гастоне, его сестра сделала музей доступным для всех. Обычные посетители смогли попасть в музей с 1769 года, с того времени занялись распределением по хронологии, школам. Позже музей получил стеклянную крышу, появился доступ для естественного света.
К XIX веку огромная коллекция уже не могла вместиться в музее, в итоге все, кроме полотен переместили, основав новые музеи. Уффици стала художественной галереей, также здесь есть статуи. Полотна реставрировали, экспонатами становились работы из государственных учреждений. В музей вкладывали известные и богатые, представители власти, и многие другие, благодаря чему коллекция стала огромной.
От алтаря, созданного Амброджо Лоренцетти, осталась только средняя составляющая. Прорисованное действие показывает внутреннее помещение церкви, для которой работа создавалась. Сцена выглядит максимально торжественно, что еще ярче подчеркнуто с помощью красивых архитектурных деталей, и ярких тонов нарядов. Удивительна четкость деталей, даже голуби, мозаика, наряд священного лица четкие, и гармонично сочетаются. Младенец находится на руках старца, Мария печалится его пророчеству. Все участники действа выражают свои эмоции, и это говорит о приближении Ренессанса.
Художник Андреа Мантенья словно предугадал Возрождение, в его полотнах ясно просматривается направление. Алтарный образ насыщен чудесными деталями, все здесь соединено. В итоге создается ошеломляющая монументальность. При скромном размере алтаря, художник смог создать эффект, как от крупных настенных росписей. В середине работы расположено поклонение, роскошно одетые персонажи идут, чтобы выказать свое поклонение Младенцу. Ребенок находится на коленях Марии, а рядом вьются ангелы. Талант художника виден по изображению прозрачного горного воздуха. Такой эффект позволил отразить даже дальние изображения, от тропок и замка, до золотых нитей одеяния. Создание работы на вогнутой поверхности помогло приумножить монументальность. Сцена обрезания также насыщена, создан орнамент, трогательный Иоанн Креститель в детстве, принадлежности. Только Вознесение лишено нюансов, однако оно также передает эмоции и трогательность взглядов
Работа начата А. Верроккьо, и завершена Леонардо да Винчи. Ангел и расположеная в средней части полотна фигуры уже были нарисованы Верроккьо. Они выглядят изысканно и суховато, работой Леонардо был ангел слева. Он применил краски масляного типа, благодаря чему смог создать дымку, и добиться игры светотени. Именно так зародилась одна из знаменитых техник мастера, результат труда Леонардо настолько впечатлил, что с ангелов нередко снимали копии.
Работа да Винчи закончена не была, однако отражает все нюансы творчества художника. Он загрузил полотно фигурами, пейзажем, использовал экспрессивные позы. По своей природе он был любопытен, и старался показать устройство мира максимально. Центром стала божественность, Мария выделяется среди остальных плавно повернутой головой и позой, выражающей спокойствие. Создан треугольник композиции, и голова Марии – его вершина. Прием придает большей гармоничности.
Полотно создано в мастерской учителя Леонардо, он доводил работу других до соответствующего вида, правил ошибки. Им были выполнены эскизы, и переписаны драпировки на одеяниях, создан объем за счет складок. Переписана была и голова Гавриила, однако подправить Марию да Винчи не успел. Ошибки предыдущего художника показывают всю сложность реалистичности, которая просматривается в эпоху Ренессанса. Был выполнен рисунок по теме, там Мария со склоненной головой, с лентой и распущенными волосами. Столь тонкий образ так понравился Леонардо, что он создал небольшое полотно по теме.
В период развития творчества повезло творить Сандро Боттичелли. Данная работа на дереве отражает поэтическое и философское содержание. Здесь сочетаются различные стилевые направления, прорисовано мифическое изображение. Создан целый сюжет с богинями, и грациями. Центром рисунка стала Венера, выше нее виден Амур, при этом затронуто и Христианское направление. Основной персонаж имеет сходство с Мадонной, и словно благословляет с помощью жеста.
С. Боттичелли работал по мифу, либо его переработке. Полотно выглядит слаженно и привлекательно. Здесь Венера плывет в раковине, а одна из ее спутниц приготовила покрывало, чтобы укутать богиню. С мастерством нарисованы изломы берега, волны, причудливые складки одежды. Все эти детали отражают мягкие линии тела, и делают впечатление от работы сильнее. Зрительно можно увидеть арку, которую создают протянутые руки персонажей. Здесь Венера является символом небесной любви, почитается целомудрие. Лицо Венеры не просто так схоже с ликом Мадонн.
Работа была заказана Рафаэлю к бракосочетанию Лоренцо Нази. Просматривается любимая художником треугольная композиция, это сделало ее гармоничной и уравновешенной. Христос и Иоанн словно закрыты Марией, а плавный наряд женщины сочетается со сглаженными линиями ландшафта. Умиротворение показывает и сам пейзаж, покрытый еле заметной дымкой, однако отражена и нота тревоги – щегол.
О натурщице для работы Тициана спорят с веками, изначально создателем полотна считали другого художника. После уточнения авторства споры все еще продолжаются. На мысли о Флоре наталкивает букетик в руках дамы, хотя и ее мечтательный образ, юность, цветущий вид, распущенные волосы, и спущенное с плеча одеяние – отсылки к богине. При этом это портрет, поскольку показывает женщину с модными на тот период золотыми волосами, светлой кожей. Возможно, портрет создавался с фантазией об античной тематике, сделав образ более эфемерным.
С помощью античных тематик Тициан выплескивал любовь к миру, свое восхищение. Он ценил красоту, и часто помещал персонажей из мифов в обычную для его времени обстановку. На полотне изображена венецианка, красивая и молодая, покоряют ее золотые локоны, нежное тело, и живой взгляд. Можно заметить чувственность, но здесь это не так, вокруг девушки домашний уют, сзади видна занятая своими делами служанка. Также изображен символ брачной жизни – смирт, на чистоту указывают белые подушки, и собака.
Работа создана Джорджо Вазари на заказ, причем через приличный срок после кончины изображенной личности. Мужчина имел большую власть, а также вел творческую деятельность. При его власти искусство быстро развивалось. На изображении он выглядит усталым, не думающий о богатстве, и добродетели, о чем говорят расположенные на картине предметы и надпись. Выражена тоска по поэзии, с помощью портрета словно воскресили былую страсть к искусствам.
Чаще всего А. Бронзино старался показать возвышенность по положению тех, кого рисовал. Подавался не характер, а некоторая отстраненность. На картине изображена юная девочка, она полна прекрасна, как и любой ребенок. Внешний вид не портит ни закрытость, ни торжественная поза. Однако привлекает внимание грусть, которая исходит от девочки, все дело в том, что портрет является посмертным. Бьянка, дочь Козимо I Бьянки, родилась до его брака. Она умерла в детском возрасте, именно по этой причине художник нарисовал красивую, румяную девочку, однако сделал ее взгляд отрешенным, взрослым. Она одновременно смотрит и на зрителя, и мимо него.
Тематикой работы Я. Тинторетто стал Зевс. Он явился к Леде в виде лебедя, плененный ее совершенством. Художник часто делал персонажей выразительными с помощью их жестов, а полотна большими, показывая борьбу добрых и злых сил. Эта тема была востребованной, поскольку позволяла показать чувственность, нарисовать героиню без наряда. Лебедь склонился к девушке, сцена нарисована в богато украшенном доме, хотя по сюжету все происходило в процессе купания на реке. Совершенство кожи обнаженной красавицы подчеркнуто ярким занавесом. Рядом нарисована служанка, которая хочет поместить лебедя в клетку. Леда закрывает возлюбленного от служанки, делая тайный момент существеннее.
Момент написания картины был сравнительно спокойным для Караваджо, именно по этой причине темой стал бог веселья и вина. Художник нарисовал юношу, протягивающего бокал с вином, он выглядит ласково, и томно смотрит на зрителя. Все говорит о здоровье, как мускулы на теле, так и пухлость губ, нежность румянца. Богатое окружение говорит о празднике, при этом можно заметить червоточину на яблоках. Не свежими выглядят и листья, увенчавшие голову персонажа. Художник не боялся показать все, как есть. На эту тему есть еще одна картина, в ней показан его образ. Там мужчина выглядит измотанным, усталым от душевных переживаний.
М. Караваджо любил показывать драму, с чем полностью справился в данном полотне. Рисунок выполнен по библейскому моменту, когда Авраам хотел показать свою веру, погубив сына. В одну секунду он сумел передать целый спектр действий, и большое количество эмоций. Пока отец держит сына и нож, ангел останавливает Авраама. В это время сын испуган, и кричит от страха. Ангел указывает на жертвенное животное, сам овен вытянулся в сторону основных персонажей, словно сам тревожиться. Караваджо любил передавать напряжение, но здесь он углубил происходящее психологически. Пейзаж во время сумерек усиливает впечатление, как и лицо старца, выражающее и веру и любовь к сыну одновременно.
Городские виды были востребованы в XVIII веке, в Венеции. Именно такое изображение выбрал А. Каналь. В то время город стал более важным сюжетом, чем человек. Художник очень любил вмещать в полотно едва не весь город. У него получалось равноценно показывать стихии: воду, землю, и воздух. Он соединял все стихии, не оставляя от земли только кромку.
Тонкость колорита, особенный вид воздушной среды и света видны на полотнах Р. Карьерры. Художница применяла пастель, а ее полотна интересны полупрозрачностью, светлыми красками. Она любила игривость сюжетов, здесь много карнавала, как в рококо. После потери важности Венеции как политического центра, она стала местом, где маскарады были естественны. Изображенная дама – также часть карнавала, на ней надеты излюбленные для периода рококо цвета одежды, типична и поза, изгибы женщины.
В работе Ганса Мемлинга уже можно отметить влияние Италии. Он нарисовал персонажа за изучением библии, в черном одеянии, присущему монаху. С помощью выражения лица он смог показать человека, который восхищается написанным, и полностью погружен в чтение. Мягкая методика передачи изображения, с применением света и тени позволила передать тишину, сосредоточенность жизненного момента. Сюжет повторен и во времени суток, наступают сумерки.
Тончайшие черты в портретной живописи удавались Питеру Паулю Рубенсу. В основном для картин он выбирал родных, в том числе первую супругу. Эта работа оформлена незадолго до кончины женщины, художник успел нарисовать ее свежей, молодой, привлекательной. Женщина смотрит на зрителя умными, живыми глазами, покоряет нежной улыбкой. Рубенс старался показать духовную и внешнюю красоту, он выделил светлый тон кожей темной шубой, и создал подходящий к румянцу фон. Дорогая сердцу художника женщина также подчеркнута с помощью кружевной отделки и ожерелья.
Одновременно показать обобщенную картину, и выразить психологические особенности в полотне смог Г. Гольбейн. В период написания художник работал при дворе у Генриха VIII. В картине нейтральное фоновое изображение, такой ход позволил привлечь внимание зрителя к самому мужчине. Удалось отразить уверенность, спокойствие, этот человек был военным, и многое видел в жизни. При близком расположении, видна обособленность, словно сэр Ричард занят своими мыслями.
Красивая женщина верхом во власти предстоящей бури нарисована Ф. Гойя. Чеканности образу придает желание дамы сохранять собранность, при этом великолепно передано платье, фигура, пена кружев. На фоне сурового фона женщина выглядит трепетной и нежной. Художнику удалось добиться великолепного сочетания силы и хрупкости.
В данной работе Ф. Гойя подчеркнул хрупкость с помощью темноты фона, также тело женщины подчеркнуто воздушным нарядом и прической. В живых красках скрыта грусть, она заметна по сложенным рукам, видна в глазах. Этот период был сложным для женщины, ее муж был любовником королевы, и властным человеком. Художник уже знал графиню, и, несмотря на парадность портрета, смог показать ее грусть. Он нарисовал настоящую, живую и обаятельную даму.
Мгновение из жизни обычных людей удачно изображал ЖанБатист Шарден. Он поднимал бытовой жанр до философии, при простоте сюжетов, он делал так, что на полотно хотелось смотреть достаточно долго. На картине действия нет, однако милые черты и нежность девочки привлекают внимание. Можно подумать, что с девочкой не хотят играть, либо ей не хватает умения. Чувствуется, словно сейчас она заплачет.
Прекрасных представительниц дворцовых сводов часто писал Ж. Лиотар, одной из таких работ стал данный портрет. Королевская дочь изображена в турецком наряде, она выглядит прелестно, и читает на диване. Такие одежды привлекали художника, в итоге он смог передать и легкость материи, и нежность кожи. Трогательности и нежности удалось добавить благодаря освещению, которое скрыло лицо, высветив только щечку, ухо с сережкой, шея. Негу передает также наличие мягких подушек.
Оставьте заявку, мы рассчитаем стоимость и свяжемся с вами
